MIGUEL ANGEL ROJAS

Artista conceptual colombiano, nacido en Bogotá en el año de 1946. Su obra expresada a través del dibujo, la pintura, la fotografía, las instalaciones y el video, trata de asuntos relacionados con la sexualidad, la cultura marginal, la violencia y la problemática relacionada con el consumo y la producción de drogas. Fotógrafo, pintor y arquitecto. Estudia arquitectura, Universidad Javeriana, Bogotá (1964- 1966); Estudia Bellas Artes, Universidad Nacional, Bogotá (1968-1973) Ha expuesto individual y colectivamente desde 1972 en Colombia, Venezuela, Australia, Puerto Rico, Cuba, EE.UU., Japón, Brasil, Australia, Inglaterra y México. Primer premio en fotografía del XXXII Salón Nacional de Artistas de Colombia 1989; Premio de la II Bienal Internacional de San Juan 1979; Premio León Dobrzinsky 1981; Premio del XXX Salón Nacional de Artistas de Colombia 1986 en Medellín mención especial de la V Bienal americana de artes gráficas 1988 en Cali; Premio del Concurso nacional Riogrande 1989. 

Temática del artista

Rojas se reconoce como un artista figurativo, que no se interesa por el estilo sino por la temática. Por eso su obra se ha visto atravesada por intereses de orden conceptual, simbólico y político que exploran temáticas como la marginalidad y la diferencia sexual, la problemática indígena, el desplazamiento social y más recientemente la situación del país, específicamente la violencia política asociada al narcotráfico.

Rojas realizó sus primeras obras sobre la diferencia sexual mucho antes de que este tema entrara con fuerza en la esfera de las artes, en los años ochenta. En los años noventa, el artista deja a un lado la fotografía y con ella los temas personales y se adentra en temáticas más universales como el narcotráfico, el tercer mundo, la concentración de poder, entre otros. La obra de Rojas, en conjunto, tiene el sello de un artista que ha guardado distancia con el mercado del arte, ha trabajado con gran independencia creativa y se ha convertido en un referente decisivo en la historia del arte colombiano. 

Serie Faenza 1978 Fotografía lanco y negro 20 x 25cm

Es natural que Rojas, también fijara su mirada  en el cine, la cultura popular y que pronto, dejara atrás las restricciones formales del trabajo foto realista, que si bien, le garantizaba un buen desempeño comercial, no cumplía con sus expectativas vitales. El artista sentía que al hacer puestas en escena del tipo de encuentros que quería retratar, estaba falseando y evadiendo la experiencia “real”. La fotografía, que era su aparato de captación más directo, era mediatizada y domesticada por el dibujo, que reducía su potencia testimonial y su crudeza vital. Técnicamente, Rojas se sentía también falsificando e infravalorando su trabajo fotográfico, que se quedaba como simple ayuda mecánica para la creación de sus dibujos y grabados. 

Así, motivado por encontrar el testimonio de su propia verdad, Rojas se dedicará,  durante los siguientes años, a  seguir sus propios fantasmas y la sombra de su  deseo, siguiendo en los cines, a los amantes furtivos que sólo allí, en la oscuridad de sus salas, podían explorarse y reconocerse. 

Miguel Ángel Rojas recorrería los ya desaparecidos cines bogotanos –el Mogador, el Lux, el Imperio, el Faenza - fotografiando clandestinamente aquellos encuentros  anónimos y casuales, reconstruyendo la memoria de esos  ‘no lugares’ urbanos, sitios de paso.

“En su serie de fotos "Faenza" la fotografía tiene un carácter puramente  documental. Rojas reitera aquí su interés en espacios públicos urbanos  donde reina la soledad, la ansiedad y la marginalidad. Si bien las  fotografías tienen un justo valor en sí mismas, Rojas las dispone  continuamente a manera de serie sobre un fondo oscuro, y en sentido  horizontal creando una narración fragmentada, que da al espectador  un sentido total del espacio representado.”[1]

 “El momento que registré yo en los 70s a través de esa serie de fotografías fue un momento muy vital mucho, más vital yo creo que en los orígenes del teatro cuando era un teatro bien o ahora que se convirtió en un aula de universidad, pues era un sitio donde entraba mucha gente, era un espacio donde la sexualidad se daba hacia adentro, donde se expresaban todos los temores de un grupo minoritario, donde se vivenciaban también las determinantes morales de un momento y una sociedad, donde se veían también las clases sociales muy marcadas en Colombia.

Natalia Gutierrez: ¿Porque el Faenza?

Miguel Ángel Rojas: porque era un urinal, ha sido una suerte colateral el hecho de que el edificio fuera tan hermoso, pero si realmente lo que permitía estos encuentros era el hecho de que a lo largo de todos los pasillos que era la entrada a la platea se hubieran construido un urinal de 20 metros y las puertas que tenía acceso a la luneta, por esas puestas también la gente accedía al urinal, entonces todo el tiempo era el sonido de las película y el sonido de las puertas.

El hecho de tomar unas fotos en el lugar me alejó de alguna manera y me hizo ver algo que era parte de mi experiencia, porque la intensidad que yo tenía, que yo experimentaba en estos teatros y cada vez que tenía un encuentro pues era no muy lejana a la intensidad que me da la apreciación del arte.

Yo me levantaba pensando que iba ir al Faenza y esperaba que abrieran las puertas y entraba y salía a las 2 de la mañana, yo veía el momento que entraba la gente, que no había publico entonces no estorbaba era como más directo la situación para tener encuentros, y también eso me permitió que a medio día yo hiciera las fotos por que no había tanto público, entonces no me intervenía la gente con lo que yo quería fotografiar.”[2]

“…a los 17 hice mis primeras fotos nocturnas de larga exposición, con una cámara que mi papá dejó colgada en un ropero: una Kodak A-1. Eso después lo aplicaría en Faenza.”[3]

En estos recorridos por los teatros el artista busca escudriñar sus propios sentimientos pero busca otros medios diferentes al dibujo y la pintura para salirse un poco de su introspectiva y verse reflejado, ver sus sensaciones reflejadas en otros y registra la sala de cine como espacio de cortejo y galanteo que consistía en el juego de llamadas, reconocimientos, señales, traslados y  recorridos, en el que los visitantes del teatro se involucraban.  Cómo el artista mismo ha notado, su  trabajo en los teatros tenía más relación con el  fotoperiodismo y la fotografía de guerra -  el riesgo de ser descubierto, las duras condiciones técnicas, sus intenciones de hacer pública la marginalidad- que  con el trabajo del artista tradicional.  

Grano 1980 Papel, tierras calizas, pigmentos sobre el piso  Instalación Museo de Arte Moderno Bogotá 40 m ² 

El artista es invitado a exponer en la Sala de Proyectos de la recién inaugurada sede del  Museo. Para ella,  presenta una instalación, donde con pigmentos  minerales recrea el piso de la casa de su niñez en Girardot. Rojas intentó hacer un “mestizaje” del museo, llevando un piso falso de baldosas –a escala 1:1- de una casa de extracción popular, al espacio sofisticado  del museo.

Sobre plantillas en papel con el diseño geométrico del baldosín que coloca sobre el piso ‘real’, el artista ‘dibuja’ el piso. Distribuyendo  cuidadosamente los pigmentos en los pequeños rectángulos y líneas que copiaban las baldosas y juntándolos por gravedad y no por fricción –es decir regándolos pero no frotándolos ni mezclándolos- el artista  logra una superficie inmaculada que confundió a los espectadores, que llegaban al casi recién inaugurado museo –su sede se había abierto en 1979- en busca de  una obra que no encontraban, pues  estaba tan perfectamente lograda que “no se veía”. Rojas decidió entonces  colocar  un texto explicativo y una fotografía de él mismo para señalarla.  Rojas reconoce de nuevo su interés en la vanguardia neoyorquina, pues Grano está inspirado en la instalación de Walter de María, New York Earth Room. 

El artista produce físicamente un espacio “cargado de experiencia humana” donde la fotografía actúa como testimonio y memoria de una obra temporal, aunque su actitud fotográfica está implícita en el extraordinario verismo con que reproduce con pigmentos naturales los pisos y baldosas.

La obra permaneció durante tres meses en el museo. Para cerrar la exposición Rojas decidió destruirla con una gallina, la cual compró y llevo al museo para que picoteara y revolviera el preciosista trabajo que había realizado. Según su propio testimonio no sería la gallina sino un grupo de escolares los que se dedicarían a destruir –accidentalmente- el trabajo. Para finalizar, con los pigmentos utilizados Rojas hizo pequeños paquetes que regaló a sus amigos  como recuerdo de una obra, que no sólo debe verse como instalación sino como sofisticado trabajo hiperrealista, el más logrado conceptualmente en todo el arte colombiano de aquella época. En 2003, Rojas realizaría una segunda versión de Grano en el mismo museo, en la VIII Bienal de Bogotá, recreando esta particular intromisión de lo real/popular en el espacio artificial del museo. Grano es una obra notable, pues Rojas une las tres versiones más importantes de la escultura  de los 70 –  minimal, hiperreal y  land art- transmitiéndole un contenido personal y cultural muy fuerte. Así, Rojas se inauguraría en una nueva serie de intereses donde la “intertextualidad transclasista” se vuelve central,  convirtiéndose  de ahí en adelante, en su principal motivación.

“Yo no sé por qué me salí del Faenza en ese momento y Empecé a mirar el álbum familiar, que es una cosa que ahora los estudiantes y los artistas jóvenes utilizan y eso es muy recursivo para ellos, yo empecé a mira y en encontré una “fotico” y encontré el piso y dije este piso es en de la casa de mis abuelos en Girardot cuando se pasaron del campo a la ciudad, aquí es donde está todo el cambio, en este piso. El proceso fue  definir una idea, luego con el manejo de los materiales se va aclarando cada vez más, porque los procesos creativos no son solamente mentales, no somos filósofos, puramente filósofos; por eso yo insisto que no hay que tomar tan enserio el pensamiento ajeno para ilustrarlo como hacen la mayoría de los artistas jóvenes que cogen un filósofo y parten de esos conceptos, es más la experiencia, yo creo que uno tienen bastante información como para poder pensar más “chiquito” sobre la realidad de uno; entonces fueron las dos cosas, pues la tierra fue el lugar donde vivieron mis antepasados luego conseguí la tierra y fui a armar el piso y enfaticé mucho con el carácter popular, yo siempre veía que lo atractivo de la obra era llevar ese carácter popular a la obra en el museo.”²

Grano, aparte de ser la representación a escala del patio donde pasó su infancia, es una metáfora sobre el desplazamiento que le tocó vivir el 9 de abril día en que destruyeron el negocio de su padre, así que se fueron a vivir a Girardot donde sus abuelos. Grano, según el artista, “es un patio de baldosas falso, dibujado apenas sobre la galería con carbón Vegeta y tierras recolectadas en Girardot. Tiene que ver con la tierra que pisa el campesino y su reubicación en el paisaje urbano. Esa obra sigue siendo muy actual por que la población campesina sigue quedando sin piso en Colombia.”³

Subjetivo. Serigrafía y dibujo con tierras naturales, 1700x700 cms Galería Garcés Velasquez, Bogotá,1982

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